- NATALIA DI BARTOLO - : Arti Visive

NINO MUSTICA: "CONCEPT", dal colore alla forma. Le opere dell'artista siciliano in mostra a Milano dal 12 giugno

Wed, 11 Jun 2008 10:01:09 GMT

STEFANO CIVATI

art consulting

In questa personale, Mustica presenta una serie di opere che raccontano un

percorso evolutivo che nasce dalla pittura, arriva alle forme tridimensionali e fino

all’architettura. Diversi passaggi concettuali accomunati da un linguaggio unico e

diversifi cato allo stesso tempo. CONCEPT è il risultato di 14 anni di ricerca e

di innovazione sui concetti della pittura che, tra le mille derivazioni, contamina le

architetture contemporanee e ne diviene anima e metafora ispirante insieme.

A prima vista sembra la conseguenza più importante e necessaria.

Mustica è stato il primo artista ad intuire il legame tra il colore e l’innovazione

possibile delle forme; a questo ha lavorato incessantemente supportato dalla

tecnologia di grandi aziende tra le quali Canon che, con le stampanti grande formato

a 12 colori e strumenti avanzatissimi, consente lo sviluppo del pensiero e delle arti

visive come già nel 500 faceva la famiglia dei Medici di Firenze.

La contaminazione nel lavoro di Mustica è un concetto presente a tutti i livelli:

pittura e architettura, da sempre legate, possono dare origine a nuove forme abitative.

Colore e pensiero possono far nascere nuove idee come la roto-traslazione che

Mustica ottiene nei suoi grattacieli derivati dalla pittura. Arte e tecnologia possono

originare progetti di sviluppo che pervadono i contesti evoluti e danno origine a

forme di collaborazione trasversali e visionarie.

Mustica è e resta un pittore, che riprende il cammino di Giotto verso un’arte

pervasiva e totale e lo evolve verso il cielo degli skyline del futuro, cambiando volto

alla città ogni volta che la città si volta...

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Nino Mustica nasce ad Adrano (Catania) il 26 agosto 1949. Ha insegnato all'Istituto d'Arte di Catania, all'Accademia d'Arte di Brera, Milano, all'Università di Belle Arti di Budapest e al Politecnico di Milano.
Vive e lavora a Milano.

Mostre personali

1979
Palazzo Comunale, Pavia, Italy

1980
Galleria Le Arti, Catania, Italy

1981
9th Street Gallery, New York, USA

1984
Kunst Galerie Caecillien Allee, Düsseldorf, Germany

1986
Dresdner Bank, Düsseldorf, Germany
Galleria d'Arte Moderna Comunale, Valverde (CT), Italy
Galleria Lu Austoni, Milano, Italy
Galleria Il Sale, Catania, Italy

1987
Galleria Jaccarino, Padova, Italy

1989
Galleria Studio 15, Milano, Italy

1990
Galleria Hete A.M. Hünermann, Düsseldorf, Germany
National Museum of Archaeology, La Valletta, Malta
Galleria Art Club, Catania, Italy

1991
Galleria Jaccarino, Padova, Italy

1992
Museum of Fine Arts, La Valletta, Malta
Galleria Osti 4, Milano, Italy
Krimsky Vau Museum, Moscow, Russia

1993
Galleria San Luca, Bologna, Italy
Linea Arte Contemporanea, Firenze, Italy
Galleria Priuli agli Scalzi, Venezia, Italy
Castello di Sartirana, Pavia, Italy
Galleria Thema, Buenos Aires, Argentina
Art Gallery Zaalberg, Delft, Holland

1994
Galleria La Seggiola, Salerno, Italy
Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina
Chiesa del Carmine, Taormina (ME), Italy
Consolato Argentino, Milano, Italy

1995
Palazzo Ducale, Sabbioneta (MN), Italy
Modern Art Museum MGC Prostor, Zagabria, HR
Contemporary Art Pavillion Juraj Sporer, Opatija, Croatia
Studio Carlo Grossetti, Milano, Italy

1996
Gallery Simone, Bratislava
Museo Jose' Luís Cuevas, Mexico City, Mexico

1997
Museo Casabianca, Malo (VI), Italy
Galerie Schrade, Schloß Mochental bei Ehingen/Donau, Germany

1998
Muzej Grada, Rijeka, HR
Umjetnicka Galerija, Dubrovnik, HR
Museo d'Arte Contemporanea, Troghir, HR

1999
Museo Civico d'Arte Contemporanea, Gibellina, Italy
Galleria W.A.M., Budapest, Hungary

2000
Art Miami 2000 - Omaggio a Nino Mustica, USA
Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia, Italy
"Concezioni pittorico spaziali", Expo Hannover Zumtobel Gallery, Berlino, Germany

2001
Mairie du VO Arrondissement, Parigi, France
Gary Nader Fine Arts, Miami, Florida, USA
Fine Art University, Budapest, Hungary
New Art Gallery, Galleria Dante Vecchiato, Padova, Italy

2002
Museum der Stadt Waiblingen, Germany
Kortàrs Muvészeti Gyujtemény MEO Budapest, Hungary
Galleria Comunale Novisad, Belgrade

2003
Galerie Leda Fletcher, Ginevra, Switzerland
Photo Show 2003 "Omaggio a Nino Mustica"

2004
Galleria Artecontemporanea, Catania
Galleria Memoli, Busto Arsizio

Installazioni [Installations]

1977
Murales, Copenhagen, Denmark

1982
Installazioni Pittoriche, Parco delle Terme, Acireale, Italy

1984
Video-scenografia"Cwmni Dawns" Jumper Dance Company, Cardiff, UK
Affreschi Urbani, Misterbianco (CT), Italy

1986
Pitture murali, Dresdner Bank, Düsseldorf, Germany

1987
Installazione pittorica, Hypo-Bank, Francoforte, Germany

1988
Pitture scenografiche, Museo d'Arte Moderna Gulbenkian, Lisbona, Portugal (travelling exhibition to Oporto, Il Cairo and Cannes)

1989
Installazioni Taif Gallery, World Trade Center, Milanofiorí, Italy

1994
Azione Pittorica nel progetto "Fiume di tela", Casalmaggiore (CR), Italy

1997
Installazioni di forme pittoriche tridimensionali sul mare, Linosa (AG), Italy

1998
C.so Garibaldi, Catania, Italy

1999
Scenografie per il Cineteatro Alba Blobhouse, Bergamo, Italy
Forma pittorica tridimensionale, Museo Civico, Gibellina, Italy

2001
Forma pittorica tridimensionale, Hotel Principe di Savoia, Milano, Italy
"PataFluens", Casalmaggiore (CR), Italy
"Tré ponti tré popoli", Novisad, Serbia

Il maestro Mustica è un artista di ricerca e i suoi percorsi vengono da lontano, da quando, negli anni '70, i suoi lavori erano legati all'Astratto Informale e alla coniugazione tra gesto e colore. Il suo eclettismo e la sua curiosità, oltre che una profonda capacità artistica esplorativa, lo hanno portato a sperimentare tecniche e poetiche diverse, dal Gestuale all'Espressionismo Astratto fino al Concettuale Astratto, attraverso l'utilizzo di olio, acrilico, tecnologie informatiche e foto digitale.
La sperimentazione, iniziata nel 1995, nasce dai colori della natura che, riproposti in chiave artistica non figurativa, si trasformano in forma e profondità, tornando al loro stato primordiale. Per raggiungere l'obiettivo di ridare una dimensione ai suoi sogni, l'artista ricorre alla tecnologia Epson, suo sponsor ufficiale, che ha affiancato Mustica nell'esecuzione delle sue "Forme Pittoriche Tridimensionali".

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Francesco Cascino

presenta

NINO MUSTICA CONCEPT

Opening Giovedì 12 Giugno h 18,30

dal 13 - 29 Giungno 2008

Via Mercato 3 20121 Milano Italia

STEFANO CIVATI via Mercato 3 20121 Milano T +39 02 39661129 www.civatiarte.it info@civatiarte.it

A cura di Natalia Di Bartolo

http://www.republik.org/?p=76

http://www.siciliainformazioni.com/giornale/cultura/20620/pittore-catanese-nino-mustica-mostra-milano.htm

REALMONTE (AG): il BANDO della IV ESTEMPORANEA DI PITTURA 2008

Thu, 22 May 2008 13:11:30 GMT

PROVINCIA DI AGRIGENTO

LABORATORIO PITTURANDO

IV ESTEMPORANEA di PITTURA

- CAPO ROSSELLO –

Concorso a premi

REGOLAMENTO

Domenica 24 agosto 2008, Realmonte (Lido Rossello)

Il Comune di Realmonte (AG) bandisce la IV Estemporanea di Pittura “Capo Rossello” 2008, Concorso a Premi, organizzata dal “Laboratorio Pitturando” .

- L’Estemporanea è esclusivamente mirata alle Arti Visive.

- L’iscrizione e la partecipazione sono gratuite;

- Il tema e la tecnica sono liberi;

- La manifestazione avrà inizio domenica 24 agosto 2008 alle h. 9.00 , orario in cui gli artisti dovranno aver completato le procedure d'iscrizione e potranno mettersi all'opera.

- Per la Pittura ed altre tecniche d’arti visive, i supporti (tela, legno, carta e/o qualsiasi altro materiale) dei lavori, da compiersi integralmente sul posto, dovranno misurare minimo cm. 50 x 60; per i lavori di scultura, il soggetto compiuto, sempre da realizzarsi integralmente sul posto, dovranno misurare minimo cm. 35 x 25.

- I supporti dovranno essere timbrati all’inizio della Manifestazione dal Comitato Organizzatore ed in concomitanza, il concorrente compilerà in loco il modulo di partecipazione.

- All’atto della compilazione, sarà richiesta come indispensabile la fotocopia di un documento d’identità e del Codice Fiscale del partecipante, che verrà allegata al modulo di partecipazione;

- Si potranno utilizzare max 2 (due) supporti timbrati, ma se ne potrà presentare solo 1 (uno) ai fini del Concorso;

- Gli Artisti potranno dislocarsi sulla spiaggia o nel Villaggio di Lido Rossello;

-Alle h. 13,30 si terrà nella zona del gazebo del Comitato organizzatore una "tavolata di artisti", con un pranzo semplice e gustoso, offerto dal Laboratorio Pitturando e con il piacevole scambio di opinioni, pareri, gradevoli chiacchiere, in modo che gli artisti possano conoscersi fra di loro e farsi conoscere in maniera informale e conviviale dal Comitato organizzatore.

- I lavori dovranno tassativamente essere consegnati alle h.19.00 dello stesso giorno 24 agosto alla Commissione Giudicatrice;

- Alle h. 21,30, la Commissione Giudicatrice, nel corso della Premiazione ufficiale in piazza Umberto I , Carricacina, a Realmonte, decreterà i vincitori, a cui verranno assegnati i seguenti premi:

1° premio: € 500,00 ed il successivo allestimento di una Mostra Personale, in data da concordarsi con gli Organizzatori;

2° premio: € 350,00

3° premio: € 250,00

- Tutti i partecipanti riceveranno un Diploma di partecipazione,

- I lavori premiati diverranno proprietà esclusiva della Pinacoteca del Comune di Realmonte;

- La Commissione Giudicatrice sarà composta da qualificati Artisti ed esperti del Settore e giudicherà esclusivamente in base al valore tecnico-artistico dei lavori presentati, secondo il proprio esclusivo metro di giudizio ed il proprio gusto estetico.

- Il giudizio della Giuria sarà insindacabile.

- I candidati dovranno effettuare una pre-iscrizione, contattando il Comitato Organizzatore tramite i seguenti numeri telefonici:

339 54 34 323

328 76 24 562

o inviando una e-mail all’indirizzo:

laboratoriopitturando@hotmail.it

- La pre-iscrizione sarà considerata vincolante ai fini della partecipazione.

- Le pre-iscrizioni si chiuderanno il 15 agosto 2008.

- In caso di eventuale mancata partecipazione, il concorrente pre-iscrittosi dovrà comunicare, ai medesimi recapiti telefonici e/o al suddetto indirizzo di posta elettronica, la propria disdetta.

Sarà allestita, in concomitanza con l’Estemporanea, una Mostra dei lavori che si sono distinti nelle precedenti edizioni della Manifestazione.

Per il Comitato Organizzatore del Laboratorio Pitturando, l’Assessore ai Beni Culturali, Turismo, Sport e Spettacolo

Prof. Paolo Salemi

http://laboratoriopitturando.spaces.live.com

CARAVAGGIO: il sesso degli angeli

Wed, 20 Feb 2008 12:45:08 GMT

L'Arte è esperimento, ricerca, evoluzione. L'Arte di Michelangelo Merisi, detto il Caravaggio (1573-1610) non sfugge a queste prerogative; il Genio sperimenta, ricerca, si evolve. il Caravaggio è un Genio e non sfugge a queste prerogative.

"Canestra di frutta"

Il clamore che si sta sollevando attorno alla figura di questo grande, immenso pittore, autore di capolavori, tramite la recente trasmissione di uno sceneggiato televisivo, sta facendo nascere, da parte del pubblico, ma soprattutto da parte di certa critica da poltronai videodipendenti ed in cerca di emozioni “diverse”, una discussione sulla sua sessualità più o meno omosessuale, arrivando a lodare il regista dello sceneggiato televisivo (per altro opera ben ambientata, interpretata e diretta) perché, ai fini della resa del carattere del protagonista in seno allo sceneggiato, abbia voluto far perno sull’interpretazione del carattere del personaggio proprio esplorando i suoi gusti sessuali e creando in essi un lodevole equilibrio tra “etero, gay e bisex” .

Non solo: si chiedono pure i pareri di altri spettatori, se dalla visione abbiano tratto conclusioni diverse ed abbiano rilevato una prevalenza di questo o di quest’altro “gusto” sessuale del Merisi!

Ma si sta scherzando o si dice davvero? Il regista avrebbe fatto dei gusti sessuali del pittore il fulcro dell’intero sceneggiato? Assurdo solo a pensarsi…figuriamoci a scriversi! Chi s’improvvisa Storico dell’Arte, è meglio che si goda lo spettacolo come pretesto per assistere ad una storia avvincente e godere di una bella ambientazione; oppure, meglio, che cambi canale e guardi i Simpson!

La Storia dell’Arte è una Scienza; lo sceneggiato televisivo è spettacolo: non si può dare per oro colato ciò che venga mostrato in esso, sia pur questo traendo determinati “passaggi” dalle fonti storiche, poiché ci si ricordi che l’espressione visiva rivolta al grande pubblico viene spesso romanzata ed alterata i fini di ottenere un gradimento da ogni strato della popolazione che si trovi davanti al video in quel momento.

"Morte della Madonna"

Ergo, ad avviso di chi scrive, conoscere i gusti sessuali del Merisi (traendoli soprattutto da uno sceneggiato!) è importante, in Arte, quanto conoscere, in Letteratura, chi temperasse le penne a Torquato Tasso.

Fondamentale, è, se ci si voglia interessare alla figura storica del grande pittore, rilevare, invece, dalla sua pittura, quegli esperimenti, quelle ricerche, quell'evoluzione alle quali la sua Arte non è sfuggita.

Lo poteva, forse? NO! Altrimenti non sarebbe stata Arte, ma "Maniera", ovvero decorosa espressione di temi richiesti dalla committenza del periodo ed uso di tavolozze che si confacessero, volendo, anche alle tappezzerie dei saloni delle nobildonne o dei Cardinali.

"Ma - si potrebbe obiettare - la sessualità del Merisi fa parte della personalità ed anche a questa prerogativa l'Artista non sfugge" : acuta osservazione, che però non autorizza, dopo quattro secoli, ad esplorare la sessualità dell'Uomo coram populo, in una specie di irriverente, morbosa, compiaciuta autopsia! Che tale sessualità resti "privata"!, in un "pudore" che faccia ritrarre vergognoso e ginocchioni il mediocre dal pensiero pettegolo e lascivo, che vada curiosando, e lasci, invece, il posto all'omaggio al Genio Merisi ed alle sue sofferenze.

Si guardi, dunque, eventualmente e solamente, agli influssi della sessualità, in toto, sulla sua Arte di questo o quel periodo, ricordando che nessun Genio è mai stato "normale", ove per "normale" s'intenda equilibrato, estraneo agli agli eccessi, sereno, pago di quel poco o molto che possiede in termini di averi o di "mestiere".

L'arte del Caravaggio contiene indubbiamente anche la sua sessualità...ma la si "inglobi", qualunque essa sia, in tutto un modo di essere: si guardi all'innovazione, al punto di vista inconsueto dal quale egli scrutava il mondo; si guardi alle sue luci, ai suoi scorci, alla sua audacia sia pittorica, che tecnica che, soprattutto, espressiva; si guardi alla sua anima ed al suo dolore di vivere e di essere, nella consapevolezza spesso crudele che il Genio ha di se stesso e delle proprie potenzialità, perché il Genio sa benissimo di essere un Genio, non ha bisogno che glielo dicano gli altri: è nato Genio, vive da Genio, muore da Genio.

"Deposizione di Cristo nel sepolcro"

Si pensi a Leonardo da Vinci; a Michelangelo Buonarroti; si pensi a Van Gogh...ed ecco che si corre il rischio che torni ad affiorare il pettegolezzo becero ed irriverente: anch'essi erano in odore di omosessualità. Ebbene? Anche se così fosse stato, a cosa potrebbe servire sviscerarlo oggi e diffonderne i risultati? Solo ad essere tacciati fare un "gossip" a posteriori, pedissequo e fuori luogo e di non vedere nulla al di là del proprio naso.

Non ci siano, dunque, sceneggiati o film o opere teatrali che tengano: chi è vissuto veramente ha sofferto veramente. Ci si accosti alla sua sessualità, dunque, se proprio lo si vuole, con il rispetto che si deve a chi abbia saputo, anche al di là della propria volontà e delle proprie umanissime forze, nel bene e nel male, essere sempre e solo se stesso. Non si dimentichi mai che l'Arte è il dono che più accomuna l'uomo a Dio nella Creazione e che quindi, in fondo, il Genio possiede “il sesso degli Angeli”. O vogliamo chiedere anche a Dio quali siano i propri gusti sessuali?

Natalia Di Bartolo

http://www.siciliainformazioni.com/giornale/cultura/9958/caravaggio-sesso-degli-angeli.htm#comments

http://www.republik.org/?cat=5

CARAVAGGIO: un GENIO innanzitutto!

Mon, 18 Feb 2008 23:25:01 GMT

Caravaggio: "Davide con la testa di Golia"; il pittore si è autoritratto nella testa di Golia

L'Arte è esperimento, ricerca, evoluzione. L'Arte di Michelangelio Merisi, detto il Caravaggio (1573-1610) non sfugge a queste prerogative. Il Genio sperimenta, ricerca, si evolve. il Caravaggio è un Genio e non sfugge a queste prerogative.

Ergo, ad avviso di chi scrive, conoscere i gusti sessuali del Merisi (così come qualcuno sta cercando di fare, sulla scia di un recente sceneggiato televisivo) è importante, in Arte, quanto conoscere, in Letteratura, chi temperasse le penne a Torquato Tasso.

Fondamentale, è, se ci si voglia interessare alla figura storica del grande pittore, rilevare, invece, dalla sua pittura, quegli esperimenti, quelle ricerche, quell'evoluzione alle quali la sua Arte non è sfuggita.

Lo poteva, forse? NO! Altrimenti non sarebbe stata Arte, ma "Maniera", ovvero decorosa espressione di temi richiesti dalla committenza del periodo ed uso di tavolozze che si confacessero, volendo, anche alle tappezzerie dei saloni delle nobildonne o dei Cardinali.

"Ma - si potrebbe obiettare - la sessualità del Merisi fa parte della personalità ed anche a questa prerogativa l'Artista non sfugge" : acuta osservazione, che però non autorizza, dopo quattro secoli, ad esplorare la sessualità dell'uomo coram populo, in una specie di irriverente, compiaciuta autopsia! Che tale sessualità resti "privata"!, in un "pudore" che faccia ritrarre vergognoso e ginocchioni il mediocre dal pensiero pettegolo e lascivo, che vada curiosando, e lasci, invece, il posto all'omaggio al Genio Merisi ed alle sue sofferenze.

Si guardi, dunque, eventualmente e solamente, agli influssi della sessualità, in toto, sulla sua Arte di questo o quel periodo, ricordando che nessun Genio è mai stato "normale", ove per "normale" s'intenda equilibrato, estraneo agli agli eccessi, sereno, pago di quel poco o molto che possiede in termini di averi o di "mestiere".

L'arte del Caravaggio contiene indubbiamente anche la sua sessualità...ma la si "inglobi", qualunque essa sia, in tutto un modo di essere: si guardi all'innovazione, al punto di vista inconsueto dal quale egli guardava il mondo; si guardi alle sue luci, ai suoi scorci, alla sua audacia sia pittorica, che tecnica che, soprattutto, espressiva; si guardi alla sua anima ed al suo dolore di vivere e di essere, nella consapevolezza spesso crudele che il Genio ha di se stesso e delle proprie potenzialità, perché il Genio sa benissimo di essere un Genio, non ha bisogno che glielo dicano gli altri: è nato Genio, vive da Genio, muore da Genio.

Si pensi a Leonardo da Vinci; a Michelangelo Buonarroti; si pensi a Van Gogh...ed ecco che si corre il rischio che torni ad affiorare il pettegolezzo: anch'essi erano in odore di omosessualità. Ebbene? Anche se così fosse stato, a cosa potrebbe servire sviscerarlo oggi e diffonderne i risultati? Solo ad essere tacciati fare un "gossip" a posteriori, pedissequo e fuori luogo e di non vedere nulla al di là del proprio naso.

Non ci siano, dunque, sceneggiati o film o opere teatrali che tengano: chi è vissuto veramente ha sofferto veramente. Ci si accosti alla sua sessualità, dunque, se proprio lo si vuole, con il rispetto che si deve a chi abbia saputo, anche al di là della propria volontà e delle proprie umanissime forze, nel bene e nel male, essere sempre e solo se stesso; e non si dimentichi mai che l'Arte è il dono che più accomuna l'uomo a Dio nella Creazione. O vogliamo chiedere anche a Dio quali siano i propri gusti sessuali?

Inserita il 18 - 02 - 08

Fonte: Natalia Di Bartolo

http://www.teatro.org/rubriche/mostre_arte/dettaglio.asp?id_news=12183

STEFANIA BRUNO, Pittrice: un amo verso l'infinito

Mon, 04 Feb 2008 12:21:22 GMT

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lunedì 4 febbraio 2008

326 utenti online

Realmonte. Piace Stefania Bruno, la pittrice ennese in mostra alla Proloco

Grande successo di pubblico e di critica all’inaugurazione della Personale della pittrice ennese Stefania Bruno, apertasi nei locali della Proloco, di Realmonte (AG), in Piazza Umberto I, il giorno 1 febbraio 2008.

"MEMORIE E PENSIERI", il titolo della Mostra dellavincitrice della III Estemporanea di Pittura "Capo Rossello"2007", tenutasi a Realmonte nell'agosto scorso e da cui è in mostra il quadro vincitore, di proprietà del Comune di Realmonte e gelosamente custodito nell’Ufficio del Sindaco.

La Mostra, che durerà fino al 2 marzo, rientra nelle Manifestazioni Realmontesi che, durante tutto l'arco dell'anno, tendono a valorizzare il patrimonio artistico-culturale della cittadina agrigentina, esaltando quelle potenzialità che indubbiamente vengono fuori nelle svariate occasioni create dall'Amministrazione, con in testa il Sindaco, ing. Giuseppe Farruggia e l'Assessore alla Cultura,sport e Spettacolo, prof. Paolo Salemi: così avviene per Stefania Bruno, pittrice di talento.

L’artista nasce ad Enna nel 1974 e vi vive e lavora. Inizia il suo percorso artistico a soli sedici anni ed eredita la passione per la pittura ed il disegno dal nonno Vincenzo, oggi scomparso, il quale ella sente ancora e sempre vicino, quasi un “Nume Tutelare” della sua Arte e della sua vita. Il nonno l’ha “agganciata” per sempre alla Pittura.

L’artista ha partecipato a numerose Mostre collettive ed ha tenuto diverse Personali, tra cui la recente esposizione nella Galleria Modigliani di Milano; ha partecipato, inoltre, a svariati Concorsi di pittura conseguendo numerosi premi.

“L’incontro di Stefania Bruno con la pittura avviene in modo del tutto naturale: come le stelle vivono e risplendono di luce propria, così la pittrice ennese, brilla del proprio “poiesis”, poichéinsito e connaturato in lei” commenta il dott. Angelo Malaguarnera nella presentazione della Mostra sulla brochure.

In effetti, la vita e la Pittura in Stefania Bruno si fondono in un mix personalissimo di spensieratezza, riflessione, gioco, divertimento, espressione, fiaba, realtà, trasposizione dei sentimenti e degli stati d’animo più diversi, ma sempre con la matrice comune del “vaso”, del contenitore, simbolo ancestrale dell’”Universo Femminino”, che ella, di volta in volta, riempie con realtà e fantasia, con ricordi e sentimenti, con luminosa gioia o con malcelata malinconia.

Il fatto che l’artista sia un’autodidatta è davvero un’eccezione che conferma la regola, secondo la quale, in Pittura, l’autodidatta raggiunge difficilmente alti livelli qualitativi. Ma c’è un amo,presente in tutti i suoi dipinti, che l’afferra e la guida, facendole compiere dei veri piccoli “miracoli” di tecnica grafica e coloristica, in cui si ritrovano un’anima ed una mano nate per pittura.

Semplice e graziosa, la Bruno è espansiva e comunicativa anche con la gente che la circonda ed è stata accolta a Realmonte con l’affetto e le attenzioni che una donna ed un’artista come lei sia giusto che meritino.

All’affollata inaugurazione, si è brindato al sempre ripetuto “ad maiora”, ma senza retorica, così come senza retorica la pittrice e le sue opere sono state presentate verbalmente alpubblico da chi scrive, dopo il saluto del Sindaco Farruggia, dell’assessore Salemi e del pittore Proietto, che ha curato l’allestimento della Mostra.

Un colpo d’occhio, all’ingresso, questa Mostra: colori brillanti, ben fusi, ben accostati; unamano felice nei panneggi, nelle ombre; che si mette continuamente alla prova, sfidando se stessa e la propria tecnica con la caparbia dell’artista vero, quello che ricerca e ricerca e ricerca, per tutta la vita e che non trova un traguardo da raggiungere per sentirsi appagato ma vede davanti a sé solo un domani in cui continuare a progredire, migliorando e cercando di superarsi.

Inutile, ad avviso di chi scrive, “etichettare” la pittura della Bruno come “surrealista” o vicina alla Metafisica: è una pittura che certo risente di tali correnti, ma che è in divenire e sempre lo sarà, come accade all’Arte dei migliori. E Stefania Bruno ha il carattere e le doti per far parte di questa schiera di “comunicatori” della presenza divina nel mondo attraverso l’Arte, che è sempre e comunque preghiera.

La Mostra resterà aperta fino al 2 marzo, dalle h. 09.00 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 19.00.

Natalia Di Bartolo

04-02-2008

http://www.siciliainformazioni.com/giornale/cultura/8537/realmonte-piace-stefania-bruno-pittrice-ennese-mostra-alla-proloco.htm

LA MADONNA CON BAMBINO DI GIBILMANNA (PA): i GAGINI, grandi scultori del Rinascimento in Sicilia

Tue, 29 Jan 2008 11:34:47 GMT

Un tesoro di ANTONELLO GAGINI (1478-1536)

Gibilmanna (PA), Convento dei frati Cappuccini; sei frati in tutto; Complesso monumentale, piccolo Museo di tradizioni popolari e, nella Cappella del Convento, un magnifico altare barocco, con al centro una "perla" in alabastro: una Madonna con Bambino del Gagini.

Essa emana un tale fascino da restarvi davanti a bocca aperta. La guida da cui chi scrive fu condotta a quella meraviglia non specificò il nome di battesimo dell'autore, ma dallo stile e dalla somiglianza con altre Madonne del genere, essa può essere attribuita alla Scuola di Antonello Gagini o, addirittura, ad Antonello stesso.

Durante il Medioevo e per tutto il Rinascimento le Arti furono un patrimonio di famiglia. Gli artisti crescevano (spesso vi nascevano) in una "bottega", che, con il proprio stile, i segreti del mestiere, la cultura, passava di padre in figlio anche per molte generazioni. Ecco perché molti componenti della stessa famiglia vengono ancora oggi accomunati da un cognome o da un nome di battesimo (spesso preceduto da un "di"), che è quello dell'artista fondatore della bottega: per esempio gli Antoni (che culmineranno in Antonello, detto "da Messina") e gli eredi di Bartolo, pittori e scultori (che avranno, fra gli altri, Nanni, detto "il Rosso", allievo di Donatello e Giovanni, scultore per i papi ad Avignone, autore del busto reliquiario di S. Agata a Catania, capostipite del ramo siciliano della famiglia).

E' il caso anche dei Gagini, scultori ed architetti originari di Bissone sul lago di Lugano. Domenico (+ 1492), figlio di Pietro, è il capostipite del ramo della famiglia trasferitosi in Sicilia. Scultore raffinato, iniziò a portare nell'isola influssi rinascimentali. Con il fonte battesimale di Salemi, l'Arca di San Gandolfo a Polizzi Generosa, la Madonna nella chiesa di Santa Maria dei Franchi a San Mauro Castelverde, una Madonna con Bambino nell'Arcivescovado di Siracusa, ricordiamo in lui uno scultore di notevole spessore tecnico ed artistico.

Dalla seconda moglie, Caterina, ebbe, nel 1478, il figlio Antonello. Il giovane si dimostrò subito versato nell'arte scultorea e presto conquistò ampia fama.

Giovanissimo si recò a Carrara, per contrattare alcune partite di marmo: fu l'occasione per venire a contatto con Firenze e con l'Arte che ivi ferveva. Più che allievo di Michelangelo (che non ebbe mai bottega, nè allievi), come favoleggiano alcuni scrittori, è da considerarsi un ottimo "osservatore" delle coeve pitture fiorentine; di Raffaello soprattutto, dal quale cercò di trarre insegnamento per l'iconografia, la postura, le sembianze delle sue celebri Madonne.

Lavorò a Messina dal 1498 al 1507, realizzando, fra l'altro, la Madonna di Bordonaro (ME), e la Madonna con Bambino, posta nella chiesa di Santa Maria di Gesù a Catania.

Nel 1508 gli venne commissionato un lavoro grandioso, che l'avrebbe impegnato per molti anni: la decorazione dell'abside maggiore della Cattedrale di Palermo.

Secondo lo storico Fazello, la decorazione consisteva in 42 statue a grandezza naturale, in marmo di Toscana: il Cristo, la Vergine Maria, i dodici apostoli e una trentina di santi. La decorazione, di tale mole e complessità, lo consacrò come il più grande scultore siciliano dell'epoca.

Fu così che la sua bottega fu sommersa di commissioni. Sono stati ritrovati molti contratti per Madonne, Santi, capitelli, colonne, portali, acquasantiere, tabernacoli. Dalla suddetta bottega, quindi, uscì una quantità immensa di sculture, oltre duecento, si dice, che non possono, ovviamente, essere tutte attribuite esclusivamente alla mano di Antonello.

Per giustificarne la mole numerica, si arrivò a ritenere che l'artista fosse vissuto oltre i novant'anni. In realtà, morì a cinquantotto anni, nel 1536, circondato da un alone di ammirazione e di fama che ancora oggi lo rende uno dei più celebrati scultori del Rinascimento italiano.

La sua bottega restò attiva, in mano ai cinque figli maschi ed a numerosi allievi, che tennero alta, per un certo periodo di tempo, la fama del Maestro, ma che, pian piano, andarono scadendo in qualità e disperdendosi, mettendo fine, purtroppo, ad una tradizione scultorea siciliana di grande spessore artistico.

Per tornare alla nostra Madonna di Gibilmanna, non si può che ritenere che i volti di madre e figlio possano davvero essere di mano di Antonello in persona.Tale è la soavità dell'espressione, la trasparenza dell'incarnato (favorita dall'alabastro: la scaltrezza degli Artisti non ha limiti!), la postura delle due teste. Anche le mani della Madonna sono di finissima fattura e pare lecito pensare che Antonello abbia lavorato anche a quelle.

E' immediatamente evidente come "contorno" barocco e statua non siano coevi: che la statua sia più antica e di assai più raffinata fattura è lampante.

Essa fu collocata in quel contesto quando, nell''800, i frati Cappuccini, nella persona di un loro influente benefattore, riuscirono ad ottenere il possesso di quell'altare barocco, uno di quei quattro simili, quasi uguali, eseguiti alla fine del XVII sec. per la Cattedrale di Palermo e mai (non si sa il perché) "montati" in quel luogo.

Essi, inutilizzati, giacevano in un magazzino, smontati. Preso possesso di uno di questi, i Cappuccini lo collocarono lateralmente nella loro Cappella e vi inserirono magnificamente, come ancora oggi la vediamo, la statua del Gagini.

Gli altri tre altari? Non ci è stato detto, ma sicuramente saranno, sparsi, montati in altre chiese siciliane...si spera.

Natalia Di Bartolo

26-01-2008

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Commenti

Anonimo

28 gennaio 2008 20:10

Magnifica Madonna, me la ricordo. Mi pare importante parlare dei beni culturali pressochè "dimenticati". Proposta raffinata e fuori dal comune.

Anonimo

27 gennaio 2008 16:34

La Sicilia è una miniera di tesori artistici - ho definita la stessa una miniera e non museo perchè i Beni Culturali in Sicilia anzichè conservarli si tengono nascosti.

Anonimo

27 gennaio 2008 12:31

Sono stato da giovane a Gibilmana, mi rimane sempre caro il riocordo della visita a Cefalù ed in particolare il poter ammirare l'incantevole statua del Gagini.

http://www.siciliainformazioni.com/giornale/cultura/7754/madonna-bambino-gibilmanna-gagini-grandi-scultori-rinascimento-sicilia.htm

LIZZIE SIDDAL: come la shakespeariana OPHELIA le donò l'Eternità

Sun, 13 Jan 2008 20:33:12 GMT

La figura shakespeariana dell'infelice, giovane Ophelia, innamorata di Hamlet e morta folle e, probabilmente, suicida, ha sempre suscitato nell'immaginario collettivo la figura pallida e fragile di fanciulla che ci è stata tramandata non solo dalle sue personificazioni teatrali, ma anche dalle Arti Visive, nonché dal Cinema, quando anch’esso diventa Arte.

Tutti conoscono la triste vicenda dell’Ophelia dall’"Hamlet”, ma forse pochi sanno che una "vera" Ophelia abbia ispirato il Pittore John Everett Millais (1829-1886), fondatore ed esponente della Corrente dei Preraffaelliti. Egli la "riconobbe" in Elizabeth (Lizzie) Eleanor Siddal (1829-1862), giovane moglie del collega Dante Gabriel Rossetti (1828-1882) e ne rimase folgorato.

Pallida beltà, con un atteggiamento tra il dignitoso ed il dolce, al suo apparire, scrisse Willam Rossetti, teorico del Movimento e fratello di Gabriel, sembrava dire: "I miei pensieri ed i miei sentimenti sono solo miei ed a nessuno è concesso entrarvi": quasi la pudicizia della vera Ophelia.

La fanciulla della tragedia di Shakespeare impazzisce per essere stata illusa ed abbandonata da Hamlet. Nella sua demenza, a sprazzi tragicamente lucida, Ophelia, dopo aver colto dei fiori nei pressi di un ruscello, si arrampica su un salice, i cui rami pendono sulle acque. Per adornarli con i fiori raccolti, perde l'equilibrio e cade nel rivo, narra la regina madre, ma, in realtà, velatamente, si comprende che vi si sia gettata volontariamente.
Riportata di nuovo in superficie dalle acque, ormai senza vita, ornata dai fiori che erano caduti con lei, ella viene pietosamente raccolta e portata alla sepoltura.

Così l'immenso Shakespeare ne narra in versi la tragica fine, per bocca della regina Gertrud:

«In quel ruscello dove un salice sghembo
specchia le sue brinate foglie nella corrente vitrea;
là ella intrecciava fantastiche ghirlande
di ranuncoli, d'ortiche, di margherite,
e di quelle lunghe orchidee purpuree
alle quali i franchi pastori dànno un nome più volgare,
ma che le nostre fredde vergini chiamano dita di morte;
e lassù, mentre s'arrampicava per appendere
i suoi diademi d'erba alle pendule fronde dell'albero,
un invidioso ramo si ruppe, e quei trofei
ed ella stessa caddero nel ruscello. Le sue vesti
si gonfiarono intorno e la sostennero
per qualche tempo come una sirena,
mentre ella intonava spunti di vecchie canzoni,
quasi fosse inconscia della propria sventura,
o come una figlia dell'acqua, familiare
a quell'elemento. Ma per poco, poiché le sue vesti,
pesanti per l'acqua assorbita, trascinarono l'infelice
dal suo melodioso canto a una fangosa morte».

(Amleto, IV, VII)

La dolcezza di Ophelia e la sua follia d'amore, come prima s’accennava, hanno ispirato molti pittori e musicisti, ma forse colui che ne ne ha colto veramente lo "spirito" è stato proprio John Everett Millais.

Il pittore, quindi, convinse Lizzie Siddal a posare per lui proprio nelle vesti del personaggio shakespeariano; in particolare, per quel dipinto, la fece restare in posa per ore ed ore, immersa in una vasca piena d'acqua fredda, poiché inutilmente circondata da alcune lampade che non riuscivano a scaldarla. La disegnò, la fotografò, la dipinse in un quadro che è il suo capolavoro.

John Everett Millais: "OPHELIA", olio su tela, Tate Gallery, Londra

Quell'Opera trasuda un fascino strano, perfino attraverso le riproduzioni. Il dipinto del Millais è decisamente sublime: non c'è, nella Storia delle Arti figurative, un'Ophelia che corrisponda così profondamente e misteriosamente al testo shakespeariano.

Il dipinto la raffigura già morta, mentre il suo corpo, circondato dai fiori e dalle erbe palustri, ormai galleggia, facendo affiorare la bella testa e le mani, con i palmi verso l’alto. Il suo viso è roseo, le sue labbra socchiuse sono colorite, ma ha un’espressione stupita, come se vedesse ciò che mai aveva immaginato di vedere e ne rimanesse attònita e con un atteggiamento simile a chi voglia dire: “E’ possibile che tutto sia finito così?”.

Fra i Critici e gli Storici dell'Arte c'è chi sostiene che la fanciulla sia ritratta nel momento del breve galleggiare prima di affondare nel fiume melmoso, ma chi scrive ritiene che ella sia già morta e riaffiorata sulla superficie dell'acqua: lo stupore vago che le pervade il volto non è più di questo mondo.

La giovane Lizzie, intanto, si dice, soffriva di anoressia e faceva abuso di laudano. La sua salute era cagionevole.

Le pose da modella per il Millais (e non solo per lui) al freddo, diversi aborti, una vena di follia, ma soprattutto i ripetuti tradimenti del marito, la portarono ad uno stato di alterazione psicologica tale da spingerla ad assumere un'overdose di laudano e, quindi, a morire suicida.

La tragedia sconvolse il Rossetti, suscitandogli inenarrabili rimorsi.

Ella fu sepolta con la testa adagiata sul cuscino delle sue lunghe trecce bionde e, fra le mani, il marito le pose un proprio poema d'amore, scritto appositamente per lei ed inedito. La sua vita si era consumata e spenta come quella di Ophelia, giovane, folle e suicida. Le corrispondenze fra i casi occorsi alle due donne fanno rabbrividire.

Quando l'editore di Rossetti decise di pubblicare il poema sepolto per rinvigorire la fama offuscata dell'autore, lo convinse a riesumare il cadavere di Lizzie.

Riaperta la bara, dopo sette anni, la bellezza della giovane era ancora intatta, nei propri pallidi colori, ed i capelli le erano cresciuti a dismisura, circondandola e riempiendo i vuoti della cassa.

Ci troviamo di fronte, quasi, ad una storia "gotica" che, diversamente dalla tragedia shakespeariana e dal dipinto, è reale, e, quindi, a maggior ragione, risulta essere di straordinario, intenso impatto emotivo.

Lizze Siddal, quindi, affiora dal passato grazie al magistrale pennello del Millais, così come Ophelia era affiorata dalla geniale penna di Shakespeare. L'Ophelia del grande Teatro, allora, elargisce all'Ophelia-Lizzie Siddal in pittura il dono dell'Eternità. Basta accorgersi di lei...

Inserita il 11 - 01 - 08

Fonte: Natalia Di Bartolo

http://www.teatro.org/rubriche/prosa/dettaglio.asp?id_news=11743

LUCA SCAGLIONE pittore: la MINI-ERA, non solo espressione di un'epoca

Sun, 16 Dec 2007 21:41:30 GMT

Luca Scaglione: "La Miniera di Realmonte", tecnica mista su carta

Si è inaugurata il 15 dicembre a Realmonte (AG), nei locali della Proloco, in piazza Umberto I, la Mostra Personale del Pittore Luca Scaglione, dal titolo MINI-ERA (Omaggio alla Miniera di Realmonte).

L'evento culturale, curato dal pittore Giovanni Proietto e supportato dal Laboratorio Pitturando on line, è stato organizzato dall'Amministrazione realmontese, con in testa il Sindaco, ing. Giuseppe Farruggia e l'Assessore alla Cultura, Turismo e Spettacolo, prof. Paolo Salemi, il quale così introduce, nella brochure, la Personale del pittore siciliano: "L’arte è sicuramente un mezzo che ha fatto, continua a fare e farà crescere la coscienza e l’amore per il bello. Il “Bello” in tal senso, nell’opera di Luca equilibrio di forme e di colori “E’ ciò che ogni uomo dovrebbe perseguire per acquisire consapevolezza del valore della propria esistenza”. Il contenuto della mostra (...) evidenzia come un giovane artista siciliano residente in Toscana sia tuttora legato ai luoghi natii che ritiene validi ed insostituibili, tanto da dedicargli una delle sue ultime fatiche creative."

A lui fa eco il Sindaco Farruggia: " E' all'insegna della sensibilità che abbiamo dimostrato verso la Cultura in generale, vista come mezzo di comunicazione, di emozioni e come opportunità dello sviluppo sociale ed economico di un paese a vocazione turistica come Realmonte, che proponiamo questa Mostra (...)".

La Mostra è stata inaugurata alla presenza degli stessi e di altri Amministratori, nonché dell'artista Tommaso Serra, che ha scritto sul depliant la presentazione della Mostra dello Scaglione, e di un folto pubblico di esperti ed appassionati. L'artista espositore, impossibilitato a presenziare, ha inviato una e-mail di saluto e di ringraziamento.

Così scrive il Serra, nella brochure: (...) Scaglione nella sua ricerca non è accattivante, o di maniera o lezioso, tutta un’altra cosa un percorso che miscela consapevolezza dei propri mezzi alla creatività estrema.

Spesso la composizione divide in due campi la superficie, ora colando le stesure cromatiche sottostanti, ora velando.

C’è una sapienza delle forme e dei colori che in un paradossale gioco, dialoga, scherza con l’altro versante ludico spontaneo.

Penso al concetto di Roland Barthes: “Arrivati ad un certo punto è necessario disimparare. Lasciare lavorare la sedimentazione dei saperi (...).

Luca Scaglione: "Sale solo", tecnica mista su carta

Luca Scaglione, nato a Palermo nel 1984, ha seguito gli studi artistici nella città di Firenze, conseguendo il Diploma Laurea in Pittura all'Accademia delle Belle arti della provincia toscana. Ha partecipato a diverse estemporanee, vincendone alcune, e collettive, a Firenze, Gaeta, Treviso, Sambuca di Sicilia, Torino , fino ad approdare con uno stage di pittura alla California State University di Fresno, nel 2007. Attualmente vive e lavora a Fucecchio (FI).

Vincitore della I Estemporanea di Pittura "Capo Rossello" a Realmonte, nel 2005, Luca Scaglione ha, quindi, alle spalle una formazione solida e ben visibile nella propria espressione: le sue opere, tecniche miste su carta per lo più, dimostrano una maturazione artistica frutto di lungo tempo e d'intenso studio teorico oltre che pratico, fino all'approccio con una pittura informale, definibile "neo-impressionista".

Luca Scaglione: "La Scala dei Turchi", tecnica mista su tela, dipinto vincitore della I Estemporanea di Pittura "Capo Rossello 2005" a Realmonte

Come dall'armonia della musica Classica si è giunti alla dodecafonia di Arnold Schoemberg e, quindi, all'uso di solo dodici suoni nella composizione musicale, con diramazioni nella "musica puntuale" di Stockhausen (che può richiamare il "Divisionismo" ed il "Puntinismo" in Pittura), allo stesso modo alcuni artisti contemporanei, tra cui lo Scaglione, hanno compiuto una scelta di sintesi e di essenzialità che rende l'uso di pochi colori e non-colori (come il bianco ed il nero) valutabili con una misura che non è quantificabile se non nel gesto, al di là della tinta scelta.

L'uso di diversi materiali, inoltre, fa sì che l'espressione pittorica rievochi i tempi andati della Miniera, quella eterna MINI-ERA di lavoro, sudore e dolore; quella durezza, quell'arsura salata, ripetuta quasi ossessivamente in diverse opere esposte, con l'ausilio di vecchie carte riguardanti la miniera stessa, di vecchi spartiti musicali "sporcati" nella negazione dell'armonia, "macchiati" dal sudore e dal sangue che per la miniera è stato ed è, purtroppo, ancora oggi sparso.

Mostra interessante e coinvolgente, quindi, quella dello Scaglione, che porta il fruitore a riflettere su come l'Arte sia anche voluta "disarmonia", nell'espressione potente della gestualità, che fa di un dipinto un "documento" del tempo e della vita.

La mostra, che comprende anche il dipinto vincitore dell'Estemporanea 2005, di proprietà del Comune di Realmonte, resterà aperta fino al 6 gennaio, tutti i giorni dalle ore 9.00 alle 13.00 e dalle ore 16 alle 19.

Luca Scaglione al lavoro sulla spiaggia di Lido Rossello, 2005

Natalia Di Bartolo

http://laboratoriopitturando.spaces.live.com

L'ESTREMO TIZIANO

Fri, 23 Nov 2007 20:33:23 GMT

Republik Magazine - Arte
Scritto da Natalia Di Bartolo
sabato 17 novembre 2007
T iziano Vecellio (Pieve di Cadore, circa 1490 – Venezia, 27 agosto 1576): anche solo il nome evoca splendenti tele e colori smaglianti. Ma si dovrebbe tener conto anche di “un altro Tiziano”, che non è il più conosciuto, cioè non quello del “L’ Amor sacro e l’Amor profano” o della “Venere di Urbino”, ma il Tiziano degli ultimi anni, vecchissimo e teso ad una ricerca che va molto oltre la "bella maniera" degli anni d’oro. Primo indizio di queste tendenze nell'opera dell'Artista è il Ritratto di Pietro Aretino (a destra), conservato nel Palazzo Pitti. E' nota l'amicizia fra i due, che pare si sia incrinata proprio a causa di questo ritratto, che all'effigiato pareva eseguito in fretta e furia: Tiziano invecchiava, la sua concezione pittorica, sia dal punto di vista teorico, che da quello tecnico, cambiava, sembrava involversi, anziché evolversi. "Lo scorticamento di Marsia" è un altro un dipinto dell' estremo Tiziano, uno dei più straordinari. Esso rappresenta l' epilogo della nota sfida musicale tra Apollo e Marsia, che viene punito nel modo atroce citato nel titolo per aver osato sfidare il dio. Conservato a Kromeriz,una cittadina della Repubblica Ceca, il cromatismo di questo dipinto, come degli altri dell’ultimo periodo della vita dell’artista (dipinti “estremi” perché vi si percepisce quasi la tensione verso un Oltre che è sia artistico sia spirituale, il venir meno delle forze nell' appressarsi alla morte e nel crollo delle certezze) è come cera liquefatta, se ne avvertono corposità ed incandescenza, sembra di vederlo gocciolare dalla tela, come il sangue di Marsia. Necessiterebbero immagini a luce radente per rendersene conto. Il pensieroso Re Mida, probabile autoritratto di Tiziano, sembra meditare sul destino impietoso del satiro (e, per estensione, dell' uomo) vittima del capriccio della divinità. A questo stesso periodo di oscura, fremente sofferenza artistica e di pensiero, appartiene anche la forse troppo poco conosciuta “Pietà”, conservata nelle Gallerie dell’Accademia a Venezia. Tale dipinto attira a sé con la forza misteriosa dell’inconsueto e del capolavoro. E' “strano” in tutto e per tutto: dalla struttura compositiva ai colori, anzi, ai "non colori"; è veramente "livido". C’è proprio da chiedersi cosa passasse nella mente di un grande pittore come Tiziano, per arrivare a dipingere in quel modo. Esteticamente parlando (per "estetica" s’intenda il gusto comune) pare davvero un quadro decisamente “brutto”, perfino sproporzionato. Quelle figure così piccole, in basso...e quell'architettura così invadente, incombente su di loro in altezza e proporzioni. E poi, la pennellata: decisamente inconsueta, scaturita da cotanta mano; è data a tocchi, a guizzi. E' scuro, il colore, impastato, "sporco" rispetto ai passati splendori. Per colore "sporco" chi scrive generalmente intende quello che, magari mescolato da un inesperto pittore, non risulti brillante alla fusione, che diventi "fangoso": bene, non si può arrivare che alla conclusione che quel "colore non colore" sia proprio il filo conduttore del dipinto, creato apposta in quel modo, con una tavolozza fatta esclusivamente di terre brune e gialle, di verdi e rossi, in accostamenti e fusioni tutt’altro che luminose e gradevoli. E poi “l’effetto” generale dell’Opera è sconvolgente: tutto, in quel dipinto pare essere inconsistente, sgretolarsi e venir giù dalla tela, abiti dei personaggi compresi. Anche le statue suscitano stupore: Mosè a sinistra e la figura femminile con la Croce, a destra (potrebbe essere S. Elena) hanno un aspetto altezzoso, da eroi pagani e sembrano doversi sbriciolare da un momento all'altro, seppellendo quel po' di vita che ancora sembra pulsare in quei personaggi che vengono fuori dalla tela spaesati, incerti, sopraffatti dall'impianto stesso della composizione. La Madonna sta lì con Gesù in braccio con l'espressione di chi voglia dire: "Eccolo: mio figlio è qui, morto! Me l'hanno ucciso! Ma non importa a nessuno!"; la Maddalena chiama qualcuno, ha uno scatto di movimento, ma resta come impietrita: nessuno le risponde? Il putto a terra raccoglie in un sacchetto di stoffa bianca non si sa bene cosa, forse qualche reliquia; ma lo fa furtivamente, come se temesse di essere scoperto dagli stessi protagonisti della tragedia (un guizzo del Tiziano contro l'avidità della Chiesa terrena?). Non serve a nulla al puttino in volo cercare d'illuminare qualcosa con quel lungo cero. E poi, che luce proietta? Non è lui che illumina: anzi, quel cero non emette luce per nulla, non crea alcuna ombra propria: la luce principale pare venire dall'aureola di Cristo ed è una luce radente, che inganna chi guarda. Quanto all’impianto compositivo, è decisamente "assurdo", rispetto alla consuetudine, anche del Tiziano stesso; è realizzato, in definitiva, sconvolgendo una simmetria di sfondo architettonico verticale con una trasversale che passa sopra la testa delle figure ed è tangente, a sua volta, un cerchio, costituito per la metà dalla piccola abside affrescata in alto. Il cero del putto, allora, assume anche un significato compositivo: serve a "bilanciare" la scena che sennò tenderebbe tutta a sinistra. Abilissima trovata, ovviamente; ma quel che conta in una composizione sono le direttrici che portano l'occhio a mettere a fuoco ciò che l'autore ritenga essere il fulcro del dipinto. Ci si chiede dove sia, qui tale fulcro, ma non si capisce! Dove cade l'occhio? L'occhio è confuso, non sa dove guardare (geniale!). Tutta la composizione è una contraddizione di se stessa. E che dire di quel povero vecchio prono, seminudo, che, desolato, strisciante, assiste alla scena? Pare guardare in viso più la Madonna che Cristo; ma la Madonna lo ignora, Cristo è morto e quindi non può vederlo né ascoltarlo, Maddalena è volta a chiamare chi non accorre...Che ci sta a fare, lì, quel povero vecchio? E' lì per rendere protagoniste del quadro le sante figure rappresentate, per dare loro una valenza sacra, per "scollarle" dalla realtà apparente e collocarle in un luogo dove siano protagoniste. Ma che luogo è quello? Come non riesce a capirlo il fruitore, costretto dal geniale pittore a vagare con lo sguardo, neppure il vecchio ne ha idea. Non è una tomba, ma non è una chiesa; non è un altare e neanche un tempio. E' un luogo misterioso, che fa paura, un luogo che resta indefinito ed indefinibile anche guardandolo il più attentamente possibile. Il vecchio, per primo, ne ha paura, è solo...E si accosta strisciando alla Verità. Ma quale Verità? Dov'è finito, quel povero vecchio? Non si sa...nessuno lo sa...né lui, né chi guarda il dipinto. Non lo sapeva, allora, neanche lo stesso Tiziano. Quante domande egli stesso si poneva, come e più di chi guardi i suoi capolavori, e non riceveva alcuna risposta: la fede vacillava, ma all’approssimarsi della morte, quell’incertezza rendeva gli ultimi giorni di una lunga vita ancor più penosi ed incerti. Tutti i Grandi, prima o poi, in qualsiasi campo dell'Arte, vengono a scontrarsi con l'idea della morte e dell'aldilà; e spesso, in questi casi, il processo "estetico" s'inverte o assume comunque connotazioni che preludono ad un incontro con il il mistero dell'oltretomba. Nelle opere di questo periodo dell'artista e, quindi, anche ne “La Pietà”, serpeggia allora un dubbio profondo della mente e dell’anima, che si esaspera, diventando addirittura un atto d'accusa contro Dio, una visione che appare senza speranza. Non c'è spazio per il riscatto nell'oltretomba in queste opere, forse nemmeno per la fede. Sembra che l’Eterno sia considerato un giocatore di scacchi, che usi gli uomini come pedine, dando loro fama, onori e commissioni e poi precipitandoli senza un perché. Una visione oscura, bruciante. Ma, poco dopo aver ideato ed iniziato questo capolavoro di terrore della morte e dell'ignoto, il grande Tiziano raggiunse l'aldilà e ciò a cui stentava a credere…o il nulla... Il grande Vecellio era lontano solo un passo da tutto ciò nel proprio dipinto: quest’Opera, suo malgrado “soprannaturale”, è il suo ultimo, inorridito messaggio d'incertezza terrena. Ora egli sa; ma “La Pietà” rimase incompiuta: Palma il Giovane, suo allievo, la completò, con estrema discrezione nei confronti del lavoro del genio suo Maestro, e ce la tramandò così come la vediamo ancora oggi.

L'ESTREMO TIZIANO
Republik.org - lunedì 26 novembre 2007

Soavi, splendidi, straordinari volti femminili in ARTE

Thu, 20 Sep 2007 19:35:26 GMT

Visto casualmente e "catturato" su You Tube.

Titolo: "I volti dell'Arte".

STREPITOSO: non ci sono parole...

Si dirà: "Ma non è il primo a sfruttare quest'idea"...Sì, però, provate a farne uno simile!!!

Complimenti all'autore.